Os melhores Filmes de 2019

O fim está aqui, pelo menos para o ano cinematográfico, que nos presenteou com uma generosidade de dramas audaciosos, documentários, comédias, thrillers e aventuras de ação. De sucessos em sucesso de multidões a triunfos sob o radar, importações ecléticas a épicos históricos (estamos olhando para você, The Irishman), tem havido algo para todos no teatro e, também, sobre os vários serviços de streaming que agora competem pela atenção dos cinéfilos.

A temporada do Oscar pode estar apenas entrando em alta velocidade, mas nós, estamos prontos para coroar os 10 filmes destaques. Que é exatamente o que fizemos aqui, na edição final do nosso resumo dos Melhores Filmes de 2019.

10. Climax

CLIMAX

O cinema de Gaspar Noé traça rotineiramente a linha da harmonia ao caos, e isso é mais uma vez verdadeiro em Climax, o conto inspirado por eventos reais de uma festa de dança descendo para a loucura infernal.

Começando, maravilhosamente, com entrevistas vistas em um aparelho de televisão cercado pelos filmes de terror VHS favoritos do diretor, o mais recente do autor francês é, sem dúvida, o seu menos provocante até hoje.

Mesmo durante seu início mais sereno, os números coreografados de seus personagens exibem uma intensidade assustadora, e uma vez que esses artistas ingeriram sem querer um pouco de bebida com LSD, seu equilíbrio emocional e suas relações interpessoais fica totalmente fora de controle.

Muitas vezes executado em longas tomadas individuais, o trabalho de câmera flutuante e deslizante de Noé é tão habilidoso quanto seus atores fisicamente ágeis. O resultado é uma peça de performance estética que se sente como a extravagância de dança do submundo psicossexual que Suspiria de Luca Guadagnino queria ser, repleta de um final que ocupa residência em algum nono círculo alucinatório do Inferno.

9. Under the Silver Lake

Há códigos dentro de códigos dentro de códigos em Under the Silver Lake, o neo-noir delirante xampólico de David Robert Mitchell sobre o detetive drogado Sam (Andrew Garfield, nunca melhor) atravessando uma paisagem de Lynch-ian L.A. em busca de uma beleza misteriosa desaparecida (Riley Keough).

Também canalizando o espírito de Robert Altman, Brian De Palma, Alfred Hitchcock e clássicos da idade dourada de Hollywood (definido como uma pontuação de Henry Mancini-esque), a cine-odisséia de Sam é uma busca de significado em um mundo cheio de cultura pop.

Filmes e mitos colidem, alegremente e lamentávelmente, enquanto Sam se esforça para descobrir as conexões teórico-conspiração que ligam tudo e todos. De Super Mario Bros., cultistas da nova era, piratas e túmulos de abrigo de bombas, a padrões pornográficos masturbatórios, assassinos de cães, quadrinhos (Homem-Aranha, piscadela) e letras de músicas rabiscada em caixas de pizza, as cifras secretas que governam o mundo são onipresentes.

Mitchell revela-os através de uma aventura que é espirituosa, esteticamente habilidosa, e atada com uma desilusão sombria sobre o poder do mestre dos fantoches e suas maquinações secretas. Reconfigurando o coração fatalista de Noir para nossa condição moderna emaranhada, é um retrato da nova tristeza surreal, com tudo parte de um todo mais grandioso que não oferece substância ou consolo, deixando apenas o desejo eterno de verdade e de união.

8. Hagazussa

O poder sombrio e demoníaco atravessa Hagazussa, uma história popular legitimamente maligna de herança, corrupção e condenação.

Nos Alpes austríacos por volta do século XV, a jovem Albrun (Celina Peter) tende a sua mãe (Claudia Martini), uma suposta bruxa, em sua cabana remota. Anos mais tarde, Albrun adulta (Aleksandra Cwen) cuida de sua filha infantil naquela mesma morada, cujo único visitante é Swinda (Tanja Petrovsky), uma vizinha que, como o padre local, parece preocupado em salvar a alma de Abrun ostracizada.

Luz no diálogo, mas pesada no mistério da magia negra, a fábula do escritor/diretor Lukas Feigelfeld lança seu feitiço através de plotagem lenta e imagens malévolas, culminando com uma orgia visual subaquática caleidoscópica de sangue, raízes, ossos, gavinhas e formas mutantes.

Como a névoa que cobre as copas das árvores da região montanhosa, sugestões de forças profanas estão por toda parte, à vista de Albrun ordenhando sua cabra, ou de um santuário para um crânio, e eles se enterram sob a pele, assim como o sussurro profano e o baixo ouvido em uma trilha sonora que anuncia loucura, desgraça, o fim.

7. Uncut Gems

uncut gems

Adam Sandler é um perdedor que não consegue parar de perseguir aquela vitória indescritível em Uncut Gems, um filme de crime indutor de ansiedade alimentado pelo vício de seu protagonista à pressa de arriscar tudo.

Harold Ratner (Sandler) é um comerciante de diamante do distrito de Manhattan que acha que ele é grande com uma opala rara contrabandeada para fora da Etiópia graças a alguns judeus africanos.

Seu plano é vendê-lo em leilão por um milhão legal, e assim liquidar suas dívidas com o cunhado Arno (Eric Bogosian) e seus associados violentos. Esse esquema, no entanto, é atrapalhado por um encontro com Kevin Garnett, o astro do Boston Celtics, um vencedor legítimo que gosta da pedra valiosa, bem como por conflitos com seu parceiro de negócios (Lakeith Stanfield), esposa (Idina Menzel) e amante (Julia Fox).

O material dos diretores Josh e Benny Safdie opera em um campo de febre implacável, sua câmera deslizando e girando com a emoção nervosa e terror de Ratner, e ampliando os olhos dos personagens, e observando-os em uma remoção assistida por guindastes nas ruas da cidade – com uma elegância dos anos 70.

Os recém-chegados Garnett e Fox são ótimos, mas o filme é, em última análise, todo Sandler, cuja personificação da ganância e desespero desprezíveis, egoístas, em busca de prazer em Long Island é absolutamente emocionante.

6. Little Women

little women

Greta Gerwig estabelece-se como uma das melhores diretoras do cinema mundial com Little Women, uma adaptação do romance de Louisa May Alcott que está repleto de vida efervescente.

Liderado por uma coleção de performances marcantes, com vivacidade, saudade, arrependimento, ressentimento e determinação dos adolescentes, o filme revisita os diversos altos e baixos das irmãs.

Escritor independente Jo (Saoirse Ronan); atriz conservadora Meg (Emma Watson); pintor principal Amy (Florence Pugh); e pianista doente Beth (Eliza Scanlen). Juntamente com sua mãe amorosa (Laura Dern), tia rica desagradável (Meryl Streep) e vizinha do barco dos sonhos Laurie (Timothée Chalamet), as irmãs tentam fazer seu caminho em um mundo onde, por Amy e Jo, a soberania feminina só é alcançada com dinheiro, e o casamento é tanto uma transação econômica quanto um vínculo forjado pelo amor.

Voltando para trás e para a frente no tempo para criar todos os tipos de ecos narrativos harmoniosos (e formais), e definido para a pontuação exuberante e vibrante de Alexandre Desplat (o melhor do ano), Gerwig infunde sua célebre história com um espírito feminista que flui naturalmente de sua delicada representação de suas heroínas entrelaçada. Desde o início eufórico em movimento até o final auto-referencial perfeito, é um conto de honra feito novo, e encantador, mais uma vez.

5. A Hidden Life

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Nas mãos magistrais de Terrence Malick, o fascismo não é simplesmente uma ameaça sócio-política, mas também moral e espiritual. O diretor de A Hidden Life relata o conto baseado em eventos reais de Franz Jägerstätter (August Diehl), um fazendeiro no enclave rural austríaco de Radegund cujo mundo é eternamente alterado pela aparição dos nazistas de 1939, e a exigência, uma vez forçado a se juntar ao exército do Terceiro Reich, de que ele jure Lealdade ao partido de Hitler.

A recusa de Franz a fazê-lo é repleta de consequências perigosas não só para si mesmo, mas também para sua esposa Franziska (Valerie Pachner), cuja lealdade firme ao marido diante do ostracismo comunitário é tão corajosa quanto sua posição ética contra a tirania.

A história de Malick não poderia ser mais oportuna, nem mais adorável, já que sua estética poética, definida por cineatografia portátil, íntima e épica, a pontuação orquestral de James Newton Howard e a narração silenciosa do monólogo interno, conferem uma sensação da relação alternadamente harmoniosa e dissonante entre o material e o celestial. Após três desvios em terrenos mais puramente expressionistas, o retorno de Malick à forma de cinema guiada por narrativa resulta em um filme arrebatador sobre responsabilidade, ao país, Deus, clã e eu.

4. Transit

transit

Numa Europa que se assemelha simultaneamente aos dias de hoje e 1940, o expatriado alemão Georg (Franz Rogowski) tenta escapar de Paris antes da chegada dos fascistas nazistas invasores. Chegando a Marselha, ele faz amizade com o filho africano (Lilien Batman) e esposa (Maryam Zaree) de um ex-camarada.

Através das circunstâncias, ele também assume o disfarce do famoso escritor Weidel, cujos bens ele adquire e cuja documentação que permite viajar para o México o aguardam na embaixada da cidade portuária. Assim também faz a esposa de Weidel Marie (Paula Beer), que repetidamente confunde Georg com seu marido, e que anseia por uma reunião, mesmo quando ela continua um caso com um homem (Godehard Giese) cujo amor obsessivo impede que ele partira.

Fronteiras para atravessar e barreiras que impedem a passagem são onipresentes em Transit, que, como tanto da obra de transição do escritor/diretor Christian Petzold, é um devaneio romântico abandonado sobre identidade, arrependimento, trauma e renascimento.

Além disso, é outra de suas obras de arte que confrontam questões de consciência pessoal e nacional através de um filtro de cine-filtro distinto, com Casablanca e The Passenger provando duas de suas muitas pedras de toque espirituais. Seus personagens ligados por laços espectrais que eles podem sentir, se não completamente identificar (ou controlar), é uma história de fantasma fascinante e inerentemente misteriosa que é atemporal e, infelizmente, do nosso momento particular.

3. The Irishman

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Reunindo-o com suas estrelas favoritas (assim como Al Pacino), e chegando a um gritante filme de 209 minutos, The Irishman serve como grande declaração de encerramento de Martin Scorsese sobre o gênero gangster que ajudou a elevar à grandeza com os Goodfellas de 1990 e o Casino de 1995.

Usando CGI revolucionário (e em grande parte eficaz) de desenvelhecimento para fazer seu elenco parecer décadas mais jovem, a adaptação do diretor do livro de não-ficção de Charles Brandt I Heard You Paint Houses relata a vida criminosa de Frank Sheeran (Robert De Niro), um executor do mafioso Russell Bufalino (Joe Pesci) e fecha compatriota de Teamsters bigwig Jimmy Hoffa (Pacino), o último dos quais ele teria executado em 1975.

Um conto de toda a era que traça as interseções entre a máfia e a política doméstica (incluindo a eleição e assassinato de JFK), o filme de Scorsese também é um drama em camadas de flashback sobre a passagem do tempo, e o impacto, ou falta arrepiante dele, que o arrependimento, a traição e a imoralidade têm na alma de um homem . Liderado por bravura se transforma em suas pistas (Pesci silencioso e ameaçador; De Niro estóico e vazio; Pacino ardente e carismático), é um épico sobre a corrupção americana e a desonra do submundo.

2. Marriage Story

O divórcio é um cataclismo que destrói o passado, o presente e o futuro, além de forçar alguém a reconfigurar seu próprio senso de si mesmo, e a História de Casamento de Noah Baumbach captura essa reviravolta com autenticidade e discernimento picantes. A separação do diretor de teatro do Brooklyn Charlie (Adam Driver) e da atriz Nicole (Scarlett Johansson) começa com intenções amigáveis, mas logo se transforma em uma guerra legal dispendiosa e traumatizante que é levada a cabo por advogados negligentes (Laura Dern, Ray Liotta), e corta o filho jovem do casal Henry (Azhy Robertson) no meio de um puxão figurativo (e, em um ponto, literal) de guerra.

Seus centros de luta contra a custódia se concentram em que casa seu filho chamará de lar, e a escrita e visuais afiados de Baumbach, cheios de close-ups de dor e fúria, e composições remotas que separam e isolam seus protagonistas à deriva, localizam a maneira como essa batalha inevitavelmente distorce o que já foi bom, deixando apenas ressentimento e ruína em seu rastro.

Nenhum filme sobre o assunto nunca foi tão braçosamente fiel à vida, e grande parte do crédito por esse triunfo vai para Driver e Johansson, cujas performances superlativas de duelo, feridas e justas, abandonadas e furiosas, e marcadas pelos respectivos números musicais, são tão sutis quanto reais.

1. The Lighthouse

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O fascínio da luz leva dois homens a uma loucura negra no The Lighthouse, de Robert Eggers, um trabalho de insanidade período que mais do que cumpre a promessa de sua estreia em 2015, The Witch. Em uma rocha da Nova Inglaterra envolta em névoa de ondas de colisão e bombardeada com chuvas torrenciais, os faróis do século XIX Thomas Wake (Willem Dafoe) e Ephraim Winslow (Robert Pattinson) tendem a cumprir seus deveres, com o antigo tripulante da torre iluminada e o último mantendo seu domicílio e carvão. forno queimando.

Sua laboriosa labuta é agravada primeiro por tensões interpessoais sobre a possessividade de Wake em relação ao próprio farol, e depois por brigas com gaivotas gritando (navios para espíritos de marinheiros mortos, diz Wake) e visões de tentáculos viscosos e sereias convidativas.

Tiro em granulado luminoso 4:3 preto e branco que dá à ação a aparência de uma velha fotografia resistida, marcado para gritos profanos e sereia, e impulsionado por um diálogo ornamentado de livro de histórias apto para um pesadelo náutico, é um filme sobre culpa, vergonha e ganância (e a psicose que ela gera) que exala apertado , malevolência encharcada.

A maldição de Dafoe para os deuses marítimos é um todo-temporizador, e um Pattinson soberbo combina com o seu passo lunático e de olhos selvagens para o passo ranger do chão. Eggers acaba afogando seu material em imagens sexualizadas deslizantes de um tipo louco, e termina as coisas de uma maneira que é ainda mais assombrado conto de advertência por permanecer tão inesquecivelmente oblíqua.

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